.Nombre de la pieza: Reproducción la florista de Paul Landry
.Material: Plastilina de anilinas en varios colores, bastidor de madera
.Técnica: Mezcla de plastilinas, sobre bastidor de madera
.Inspiración: inspirada en la búsqueda de nuevas formas de aplicación de técnicas, el explorar otras maneras, texturas y medios para la aplicación de materiales sin pintura
|PIEZA ORIGINAL DE JESÚS GARCÍA|
La pintura románica mantiene la ausencia de la perspectiva y la actitud antinaturalista de etapas anteriores. La pintura fue muy importante en la época ya que todos los edificios debieron estar policromados. La pintura se situaba preferentemente en el interior.
El fondo es liso, por lo que la figura centra toda la atención del artista. El dibujo y los colores planos se yuxtaponen para crear intensos contrastes cromáticos. Para delinear el contorno de la figura utilizan líneas gruesas de color negro o rojo, mientras que la forma de los rostros se consigue mediante manchas rojas redondeadas en mejillas, barba y frente.
El espacio se crea por la distribución de las figuras en el espacio. La técnica más utilizada fue la del fresco, lo que requería una cierta preparación del muro: estucado. También se pintó sobre tabla, para poner en los altares. La composición seguía las convenciones del relieve. Al igual que la escultura, su ubicación en el templo también está esquematizada.
En la pintura románica destaca la miniatura, que está realizada por gente letrada. Su objetivo era el de decorar libros para la gente que sabía leer, por lo que no tiene la intención didáctica de las demás obras.
Entre los temas más representados en la pintura románica destacamos los que salen del último libro de la Biblia: el Apocalipsis. Esto se debe a la mentalidad de la época, muy influenciada por el fin del primer milenio, con el que asociaba el fin del mundo y el Juicio Final.
Otro tema podía ser el del Tetramorfos, que representa a los cuatro evangelistas acompañados de sus símbolos, aunque a veces estos símbolos aparecen solos: toro (San Lucas), león (San Marcos), águila (San Juan) y ángel (San Mateo). Este tema iconográfico se seguirá utilizando en el gótico.
Se trata en general de imágenes hieráticas, sin movimiento y bastantes antinaturalistas. La anatomía está bastante desproporcionada, y no existe la perspectiva.
La pintura mural románica es una pintura bidimensional, sometida a un soporte que viene determinado por la arquitectura. Este arte se apartará de la imitación de la realidad para dar una imagen interpretativa, un símbolo, en el que se busca la esencia de lo que representa.
Las figuras se dibujaban según ejes verticales y horizontales de simetría. La línea es el elemento predominante, dibujando las figuras y definiendo las zonas donde se aplicarán los colores. Entre los colores utilizados por el pintor románico destacamos el color blanco de la cal, el negro del hollín, pigmentos como el ocre amarillo, verde, azul…
Éstos serán tratados como tonos fuertes, ya que las pinturas se verán con poca luz.
Historia y arte
Con un fuerte compromiso con la situación ambiental del planeta, Ken y Julia Yonetani se dedican a transmitir su preocupación y alentar la toma de consciencia colectiva a través de esculturas, instalaciones, video y performances. Asentados actualmente en Australia, los artistas comenzaron a trabajar en colaboración desde 2009.
La primera obra que llamó la atención internacional fue Sweet Barrier Rief, cuya inspiración fue el grave peligro al que se enfrentan los corales del mundo debido al cambio climático, la sobrepesca y los sedimentos provenientes de las cosechas de caña de azúcar que decoloran y dañan profundamente a estas especies. Para esta pieza, los artistas crearon arrecifes hechos de azúcar que pueden ser comidos por el público, como una metáfora del deseo insaciable del ser humano de consumo sin pensar en las consecuencias naturales.
Su obra más reciente, Crystal Palace, conmemora el primer aniversario del desastre de la planta nuclear de Fukushima ocurrido el 11 de marzo del año pasado. La pieza consiste en candiles que en vez de utilizar bulbos normales, está integrada por vidrios de uranio que desprenden luz UV, lo que provoca su color verde brillante.
La pareja planea hacer 30 piezas de este tipo para representar a cada nación nuclear, con la intención de expresar el peligro de las plantas y las consecuencias que traen tanto al ámbito natural, como al humano. Actualmente, dos de estas piezas dedicadas a Japón y a Finlandia pueden ser vistas en la exposición colectiva Keeping Up Appearences, en Nassausischer Kunstverein en Wiesbaden, Alemania.
Por: Marketing Expresarte JG Restauraciones
Fuente: fahrenheitmagazine.com
Aunque más que hombre invisible, es hombre camuflable, o mimetizable, invisible no es claro está. El artista se pinta la ropa para cuadrar perfectamente en contexto elegido, e intenta fundirse en él. Es chino y se llama Liu Bolin, su obra está ampliamente difundida en la red por su carácter tan plástico, once fotos en diferentes fondos.
Por: Marketing Expresarte JG Restauraciones
Fuente: latrola.net
La pintura al óleo se desarrolló en Europa a finales de la Edad Media, gozando de gran aceptación por su sencillez.
Sensibilidad, imaginación, oficio y generosidad, son algunos de los elementos claves para enrumbarse por los caminos de la creación y representar la pintura al óleo.
El oficio de pintar se ha desarrollado y expandido en muchas formas. Actualmente, dibujar o pintar ya no sólo se hace en trozos de telas o papel, que es la forma tradicional de realizarla, ahora los artistas han desarrollado innovadoras técnicas para expresar sus inquietudes, entre las que se destacan: la plumilla, en vidrio, rostros y cuerpos.
El arte de pintar, lejos de ser una actividad espiritual, es un trabajo como el del obrero, modista o periodista, necesita tiempo y dedicación, sólido y conciso, además, requiere remuneración en efectivo.
Por: Marketing Expresarte JG Restauraciones
Fuente: laprensa.com
Desde el 13 de Marzo hasta el 26 de Agosto el Centro Cultural Bancaja expone «1900 El Origen del Arte Publicitario».
La muestra reúne un centenar de carteles publicitarios pertenecientes a los fondos del Museo Nacional de Arte de Cataluña y realizados por 46 artistas españoles e internacionales del periodo de 1890 a 1918, época de nuevas corrientes artísticas, y en la que el cartel publicitario experimentó un gran auge y cobró especial protagonismo convirtiendo a la publicidad en arte.
Aquí una pequeña muestra:
Por: Marketing Expresarte JG Restauraciones
Fuente: 20 minutos
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